Alex Majoli (이태리)

Alex Majoli (b. Ravenna, Italy, 1971) attended the Art Institute in Ravenna, and while at school traveled to Yugoslavia a number of times to document political conflicts. He graduated in 1991. Three years later, his career began after he photographed the closing of a notorious asylum on the island of Leros in Greece, which resulted in his first monograph entitled Leros. In 1995, Majoli went to South America for several months, photographing a variety of subjects for his ongoing series on Brazil, Tudo Bom. He began the series Hotel Marinum in 1998 documenting life in harbor cities around the world. Also that year, he began making a series of short films and documentaries.
In 2001, Majoli became a member of Magnum Photos. His work is the subject of a number of books including Libera Me (Trolley Books, 2010), a photographic exploration of loss, separa-tion, and paradise, and One Vote (Filigranes Editions, 2004), portraits from the Democratic National Convention. He is the recipient of numerous awards including a 2016 Guggenheim Fellowship and the 2003 Infinity Award for Photojournalism from the International Center of Photography. Majoli lives in New York City.

Alex Majoli 는 라벤나 아트 인스티튜트 (Art Institute in Ravenna)에서 공부 하였으며 학생때 유고 슬라비아를 방문하여 정치적 갈등을 기록했다. 1991년도에 졸업 한 그는 3 년 후 그리스의 레로스 (Leros) 섬에서 악명 높은 망명 신청에 대한 사진을 찍은 후 레로스 (Leros)라는 첫 번째 사진집을 냈다. 그리고 1995년 Majoli는 몇 달 동안 남미로 건너와 브라질의 투 도오 (Tudo Bom) 시리즈에서 다양한 주제를 촬영했다. 그는 1998년 전세계 항구 도시에서의 생활을 기록한 Hotel Marinum 시리즈를 시작했다. 그 해에 그는 단편 영화 및 다큐멘터리 시리즈를 만들기 시작했다.
2001년, Majoli는 매그넘 포토 (Magnum Photos)의 작가가 되었다. 그는 손실, 이별, 낙원을 주제로 하는 사진집 Libera Me (Trolley Books, 2010) 와 민주당 전당 대회의 인물사진 One Vote (Filigranes Editions, 2004) 등 다수의 주제의 작품을 만들었다. 그는 2016년 구겐하임 펠로우 십 (Guggenheim Fellowship) 을 수상하였고, 2003년 국제 사진 센터 (International Center of Photography)의 포토 저널리즘 (Photojournalism) 부문에서 인피니트 어워드 (Infinity Award)를 포함한 수많은 상을 수상했다. 현재 Majoli는 뉴욕에 거주하고 있다.

Artist Statement

Majoli’s experiences photographing people in many kinds of circumstances in numerous countries have led him to explore the idea of his subjects being actors in their own lives. His scenes depict the drama and pathos inherent in human struggles. A mother and father carry their ill son as they arrive as refugees on the Greek Island of Lesbos in 2015. Police are on guard against a crowd of Brazilian supporters of a cause in Sao Paulo, Brazil, in 2014.

수많은 국가의 여러 상황에서 사람들을 촬영 한 Majoli의 경험으로 그는 사진 속 인물들을 삶의 주인공으로 표현하는 방법을 탐구하게 되었다. 그의 사진은 인간 삶에 내재 한 드라마와 진실을 묘사한다. 2015년 한 어머니와 아버지는 아픈 아들을 데리고 그리스의 레스 보스 섬에 난민으로 도착했다. 2014년 브라질 상파울루에서는 경찰과 시위대의 대립이 있었다.

Aura Rosenberg (미국)

Aura Rosenberg’s work probes sexuality, gender, childhood, artistic identity and historical construction. Her diverse practice draws on photography, video, painting, sculpture, installation and performance. She has published three books of photographs: Head Shots, (StopOver Press 1996), a series of black/white portraits of men seemingly caught in a moment of ecstasy; Berlin Childhood (Steidl/DAAD 2001), inspired by Walter Benjamin’s chronicle of a bourgeois upbringing in Berlin at the turn of the last century and Who Am I? What Am I? Where Am I ? (Hatje Cantz 2006), a series of children’s portraits, each made in collaboration with another artist.
In 2014/15, her film Angel of History was featured in “The European Month of Photog-raphy” at Martin Gropius Bau, Berlin; MUSA, Vienna; Casino Luxembourg, Forum d’art Contemporain and Benaki Museum, Athens.
Her work has been shown at the Kiev Biennale; The Berlin Biennale; Museum der Mo-derne, Salzburg; Centre D’art Contemporain, Grenoble; PS 1, Long Island City; The Swiss Institute, New York; The Sculpture Center, Long Island City; JOAN, Los Angeles and in an upcoming solo exhibition at Galeria Studio, Warsaw. ,br /> She is represented by Martos Gallery in New York City and Meliksetian Briggs Gallery in Los Angeles. She teaches at Pratt Institute and The School of Visual Arts.

Aura Rosenberg의 작업은 성, 어린 시절, 예술적 정체성 및 역사적 구성과 연관이 되어있다. 그녀는 다양한 메체 (사진, 비디오, 그림, 조각, 설치 , 퍼포먼스 등) 를 다룬다. 그녀는 3 권의 사진집을 출간했다 : 헤드 샷, (StopOver Press 1996)은 순식간에 황홀해진 남성들의 흑백 사진 초상화이다; Berlin Childhood (Steidl/DAAD 2001)는 발터 벤야민 (Walter Benjamin)의 부르주아 출현의 관한 글에서 영감을 받은 작품이다, 마지막으로 Who Am I? What Am I? Where Am I ? (Hatje Cantz 2006) 시리즈는 다른 예술작가들과 합동 작업한 아이들의 초상화에 관한 것이다.
2014/15 년에 그녀의 비디오작품 Angel of History 는 베를린 마틴 그로 피우스 바우 (Mark Gropius Bau)의 "The European Month of Photography”, 비엔나의 MUSA , 카지노 룩셈부르크 Forum d' art Contemporain 및 아테나 Benaki Museum에서 선보여졌다.
그녀의 작품은 키예프 비엔날레, 베를린 비엔날레, 잘츠부르크 Museum der Moderne,Centre D’art Contemporain, PS 1,The Swiss Institute, The Sculpture Center, 로스엔젤레스 조안 (JOAN), 그리고 Warsaw에 있는 Galeria Studio에서 개최되는 개인전에서 에서 상영되었다.
그녀는 뉴욕의 Martos Gallery와 로스 앤젤레스의 Meliksetian Briggs Gallery로 대표 작가 이다. 그녀는 Pratt Institute와 School of Visual Arts에서 강의를 하고 있다.

Artist Statement

The angel of history is the inspiration for my film. Compressed into five minutes, this film animates the ruin and progress of history, starting with the formation of planets from gas clouds through to the present. The pile, culled from an online pictorial archive, depicts Benjamin’s single catastrophe. A flash of original paradise interrupts the cataclysmic mo-mentum and reminds the viewer of the dialectic of history in which the past can be recalled only in relation to the demands of the present.

The Angel of History는 제 영화의 영감입니다. 5분으로 압축된 이 영화는 가스 구름에서 현재 행성이 형성되고 역사의 시작과 파멸 그리고 진보를 애니메이션화 했다. 인터넷 아카이브에서 발췌 한 이미지들은 벤야민의 역사의 순환을 묘사합니다. 진실한 낙원의 기억은 대격변을 가로막고 역사의 변증법은 관객들에게 현재의 요구로 과거를 상기시킨다.

Barbara Probst (독일)

Barbara Probst was born in 1964 in Munich, Germany. She studied at the Akademie der Bildende Künste, Munich and the Kunstakademie Düsseldorf.
She has exhibited widely in the United States and Europe. She was included in New Photography at the Museum of Modern Art, New York in 2006 On the occasion of her 2007 solo exhibition at the Museum of Contemporary Photography, Chicago, Steidl published an extensive monograph on her work in 2007. She has also had solo exhibitions at the Madison Museum of Contemporary Art in 2008 and the Oldenburg Kunstverein and in 2009 at the Domaine de Kerguehennec, Bignan, France and Stills Gallery, Edinburgh. In 2013 her solo show at the National Museum of Photography, Copenhagen, which traveled to the Centre Pasquart, Biel, Switzerland and the Rudolfinum in Prague, was accompanied by a further monographic work, published by Hatje Cantz.
Her work is represented in numerous public collections including the Museum of Modern Art, New York, The San Francisco Museum of Modern Art; the Whitney Museum of American Art; the Centre Pompidou; the Los Angeles County Museum of Art; Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Rome; and the Folkwang Museum.
Barbara Probst is represented by Murray Guy, New York, Kuckei+Kuckei in Berlin, Galleria Monica De Cardenas, Milan, and Wilkinson Gallery, London. She lives and works in Munich and New York.

Barbara Probst는 1964 년 독일 뮌헨에서 태어났다. 그리고 그녀는 뮌헨에 위치한 Akademie der Bildende Künste,) 와 Kunstakademie Düsseldorf 에서 공부했다.
그녀는 미국과 유럽에서 여러번의 전시를 하였다. 그녀의 작품은 2006년 New York에 위치한 MoMa 현대 미술관의 ‘New Photography’에 포함되었었다. 2007년에 시카고 현대 미술관 개인전을 가졌고 Steidl은 그녀의 작품에 대한 광범위한 모노 그래프를 출판했다. 2008년 Madison 현대 미술관 (Madison Museum of Contemporary Art), Oldenburg Kunstverein, 2009년 프랑스에 위치한 Domaine de Kerguehennec 와 에딘버러에 위치한 Stills Gallery 에서 전시되었다. 2013 년에는 코펜하겐 국립 사진 박물관 (National Museum of Photography)에서 개인전을 가졌으며, Centre Pasquart, Biel, Switzerland and the Rudolfinum in Prague 까지 전시가 이어졌으며, Hatje Cantz가 출판 한 모노 그래프 작품이 추가 되었다.
그녀의 작품은 뉴욕 현대 미술관 (Moma), 샌프란시스코 현대 미술관 (The San Francisco Museum of Modern Art), 휘트니 미술관 (Whitney Museum of American Art), 퐁피두 센터 (the Centre Pompidou), 로스 앤젤레스 카운티 미술관 (the Los Angeles County Museum of Art), 로마 Galleria Nazionale d' Arte Moderna, 및 Folkwang Museum 에서 선보여졌다.
Barbara Probst는 뉴욕에 Murray Guy 와 베를린에 위치한 Kuckei + Kuckei, 밀로노 Monica De Cardenas 갤러리, 런던의 Wilkinson Gallery에서의 대표작가 이다. 그녀는 현재 뮌헨과 뉴욕에서 살면서 일한다.

Artist Statement

Exposure #6a, N.Y.C., Central Park, 06.04.01, 2:44 p.m. originated from my interest in what is called the “subjective camera” or the “point of view” shot in filmmaking. The subjective camera shows what the protagonist supposedly is looking at. Exposure #6a was an experiment in which I was playing with this strategy in its most literal sense. 5 photographers gathered to aim their cameras at one another in the moment of exposure. The result of this experiment are 5 images that show what the photographers saw in that moment. But they also show the photographers themselves staging and posing as well as documenting themselves at the same time - being photographers as well as models simultaneously.
This work marks the beginning of an interest that I came back to many times over the course of the last 15 years. I feel that it displays in a very clear way my fondness for the Brechtian notion of art, which ought to reveal the principles of its own construction.

Barbara Probst,
February 14, 2015

Exposure #6a, N.Y.C., Central Park, 06.04.01, 2:44 p.m.은 나의 관심사인 "주관적인 카메라” 또는 영화 제작에서 이용한 “시점"에 관한 것이다. 주관적인 카메라는 주인공이 바라는 것을 보여준다. Exposure #6a는 내가이 아이디어를 가장 문자 그대로 사용 한 실험이었다. 5명의 사진 작가가 모여 각각의 카메라를 서로를 향해 겨냥했다. 이 실험의 결과는 사진가가 그 순간에 본 것을 보여주는 5개의 이미지이다. 그러나 이 작품은 또한 사진작가 그들 자신들이 준비하고 포즈를 취하고 동시에 다큐먼트하는 것을 보여준다. 그들은 동시에 사진 작가와 모델이였다.
이 작업은 내가 지난 15 년 동안 여러 번 흥미를 느꼈던 것에 대한 시작을 의미한다. 나는 이것이 자체 제작의 원리를 들어내는 Brechtian의 예술 개념에 대해 아주 분명하게 표현하고 있다고 느낀다.

Barbara Probst,
2015 년 2 월 14 일

Charles Fréger (프랑스)

French artist (born in 1975), Charles Fréger has been the portraitist of communities for nearly twenty years. Through the process of photographic inventory, he draws up typologies of how indi-viduals inhabit their community of inheritance or choice. A visual sign of belonging and rallying, the uniform, if not the costume, from the most formal to the most "savage", is the central motif of his work.
It is under the explicit title of "Portraits photographiques et uniformes" that he categorizes his many series made since 1999. Within this vast catalogue of images, the garment is second skin, "skin" because the individual inhabits it, "second" because he takes with him another self. The clothing acts thus as a space of projection in a historical, geographical or cultural elsewhere.

1975년에 태어난 프랑스 작가 Charles Fréger는 20년동안 커뮤니티의 인물사진작가로 일하였다. 그는 작업기간 동안 개인들이 상속 재산이나 선택권을 가지고 살아가는 방식에 대한 지식을 얻는다. 소속감과 재편성의 시각적 표시, 유니폼, 가장 정통적인 것에서 부터 가장 “야만인" 적인 것까지가 그의 작품의 핵심 모티브이다.
1999년 이래로 그의 많은 시리즈는 "Portraits photographiques et uniformes"의 명시적인 제목으로 표현된다. 이 방대한 이미지 목록 안에서, 의복은 두번째 피부, 즉 “피부" 이기 때문에 또 다른 자아를 가지고 있으며 "두번째"이다. 의복은 역사적, 지리적, 문화적으로 투영되는 또 다른 공간으로 작용한다.

Artist Statement

For two years in 2010 and 2011, Charles Fréger traveled Europe from north to south, from Finland to Portugal, passing through Romania, Germany or Slovenia, in search of the figure of the savage as it survives in the local folk traditions.
These images, like archetypes – half man, half-beast, animal or vegetable – reappear from time to time for pagan or religious rituals and festivals, celebrating the cycle of the seasons, carnival or Easter. In the common foundation of European farming societies, these emblematic characters or animals represented protective figures or symbols of fertility. Today they evoke an imaginary world, instinctual and physical, in which each individual perceives an ancestral relation to nature, and where our inner-animal selves (and at times a regressive desire inherent in some of our most primal urges) comes to the surface. Charles Fréger speaks of "a zoomorphic figure whose rudimentary and ritual aspect refers to a universal nudity". The garment shows no patch of skin, the human figure completely buried under an avalanche of heavy furs, wool, bells, horns and other materials and accessories. Here again, photographing outside of the season of festivals or carnivals, he stages these characters in a natural, often remote environment of his choice. He has also taken some liberties with regard to the figures themselves, not hesitating to omit some voluntarily, and to photograph others from behind or only partially, thereby claiming a bias of his inventory as more poetic than scientific.

2010년과 2011년 2년간 Charles Fréger는 핀란드에서 포르투갈, 루마니아, 독일 또는 슬로베니아를 거쳐 유럽 남북으로 여행하며 지방의 전통적인 생존자의 모습을 찾아다녔다. 반 인간, 반 야수, 동물 또는 식물의 원형과 같은 이미지는 때때로 이교도나 종교 의식, 카니발축제, 부활절 등 에서 나타난다.
유럽의 농업 사회에서 이러한 상징적인 인물 또는 동물은 보존 되어야하는 것 또는 다산의 상징이었다. 오늘날 그것들은 자연에 대한 조상 관계를 인식하고, 우리의 내면의 동물적 자아 (때로는 가장 원시적 인 충동에 내재 된 퇴행 적 욕망)가 겉으로 표현되는 상상의 세계, 즉 본능적 및 육체적 인 세계를 연상시킨다. Charles Fréger는 "보편적인 누드는 초보적이고 의식적인 동물형상의 인물이다"라고 했다. 이 옷은 무거운 털, 양모, 종, 뿔, 그리고 다른 재료와 부속품들로 인해 사람의 몸이 완전히 숨겨져 있다. 그는 축제나 축제 시즌 이외의 곳에서 다시 한번 이 캐릭터들을 자연속에 연출하여 촬영한다. 그는 또한 자발적으로 일부를 생략하는 것을 주저하지 않았고, 인물에 관해서 자유적으로 변형을 했으며, 인물들의 뒷모습이나 부분적으로 촬영 했기 때문에 그의 작품은 과학적보단 시적이라고 간주된다.

Keren Shavit 이스라엘(미국)

Keren Shavit is a multimedia artist, living and working in Brooklyn, New York. She graduated from Bezalel Academy of Art and Design, Jerusalem and was a selected participant in the Poland-Israel documentary workshop at the Leon Schiller National Higher School of Film in Lodz, Poland.
Shavit has exhibited, and screened her work internationally at film festivals and galleries including The Jerusalem Film Festival, 700IS, Gimli Film Festival, ISCP, Julie M Gallery in Tel Aviv, Mamuta Art & Research Center and The Jerusalem Artist House, among others.
She has been selected to attend residencies at OCAT Shenzhen, China, the School of Visual Arts in New York, and the Lightwork Residency Program at Syracuse University.
Recently she had a solo show titled Broken Kayfabe at Mamuta Art and Research Center, in asso-ciation with the Jerusalem Film Festival, which was funded by the Ostrovsky Family Fund and Mifal Ha’Pais Council for the Culture and Arts. She was also among the selected artists in Vice Magazine 2016 Annual Photo Edition.
Shavit is a faculty member at the School of Visual Arts and teaches in the department of Photog-raphy and Video.

Keren Shavit은 뉴욕 브루클린에서 살면서 작업하는 멀티미디어 아티스트이다. 그녀는 예루살렘에 있는 Bezalel Art and Design을 졸업했으며 폴란드 Leon Schiller National Higher School of Film 에서 이스라엘 다큐멘터리 워크숍에 선정되었다.
Shavit은 예루살렘 영화제 (The Jerusalem Film Festival), 700IS, Gimli Film Festival, ISCP, Julie M Gallery in Tel Aviv, Mamuta Art & Research Cente 및 예루살렘 아티스트 하우스 (The Jerusalem Artist House) 등의 영화제 및 갤러리에서 국제적으로 작품을 전시하고 상영했다.
그녀는 OCAT 심천, 중국, 뉴욕 시각 예술 학교, 시러큐스 대학의 라이트 워크 레지던트 프로그램에서 레지던시 과정에 참석했다.
최근에 그녀는 Ostrovsky Family Fund 와 Mifal Ha’Pais Council for the Culture and Arts 후원하는 예루살렘 영화제 (Jerusalem Film Festival)와 관련이 있는 Mamuta Art and Research Center에서 ‘Broken Kayfabe’라는 제목의 솔로 쇼를 가졌다. 그녀는 Vice Magazine 2016 Annual Photo Edition에서 선정 된 아티스트들 중 한 명이다.
Shavit은 School of Visual Arts의 사진 및 비디오학과의 교수이다.

Artist Statement

The project Broken Kayfabe originated from fragments of text, personal writings, extensive re-search and collected archive material, including personal letters and snippets of news articles from local newspapers in Haifa, Israel — all from the 1980’s. These elements were then processes and developed into narratives. The main narrative of Broken Kayfabe describes the downfall of two desperate teenage girls who take a summer job working at Burgerland, a sleazy Israeli imitation of an American fast food restaurant. They are also both fanatic admirers of a professional wrestling team from Dallas, Texas called The Von Erichs.

브로큰 카이 페이 (Broken Kayfabe) 프로젝트는 1980 년부터 이스라엘의 하이파 (Haifa)에있는 지역 신문의 개인 기사를 포함한 텍스트, 개인 저술, 광범위한 연구 및 수집 자료에서 유래했다. 이 요소들은 내러티브로 표현되었다. 브로큰 카이 페이 (Broken Kayfabe)의 주요 내용은 여름에 버거 랜드 (Burgerland)에서 필사적으로 일하는 십대 소녀 2 명의 몰락을 묘사 한 것으로, 버거랜드 (Burgerland)는 미국의 패스트 푸드의에 대한 이스라엘의 모방품이다. 그들은 텍사스 달라스의 프로 레슬링 팀 (The Von Erichs)의 매니아 팬이기도하다.

Kristiana Sato Copp (미국)

Kristiana Sato Copp is an artist living and working in Los Angeles, California. She received her BFA from the School of Visual Arts 2012. Her work has been shown as part of the SVA Mentor Show and published in Dear Dave.

크리스티 아나 사토 캅 (Kristiana Sato Copp)은 캘리포니아 주 로스 앤젤레스에서 살면서 일하는 예술가 이다. School of Visual Arts 2012에서 그녀의 BFA를 받았다. 그녀의 작업은 SVA 멘토 쇼 (Mentor Show)의 일환으로 보여졌으며 Dear Dave란 잡지에 출판 되었다.

Artist Statement

The images that I have created are products of layering Google image search results. They illus-trate the search trends themselves and become an abstract portrait of the term. Given the formula-ic nature of the creation of each image, the layering effect results in a confusion of what the image portrays with different levels of this indistinction throughout the series. This abstraction also seeks to demonstrate the effects of the rise of technology.
As our devices become more powerful and our dependence on them increases, we are also faced with living in a time when most of the world's population is dealing with a huge increase in our in- take of images and information. The constant updating of various platforms and the speed of which we receive new information has created a whirlwind pace that at times can seem overwhelming. The series hopes to illustrate this through the lens of the world's most popular search engine.

내가 만든 이미지는 Google 이미지 검색 결과를 쌓아 올린 것이다. 이것은 검색 트렌드 자체를 설명하고 용어의 추상적 인 초상화가된다. 이 시리즈에서 각각의 이미지의 창조적 특성을 고려할 때, 레이어 효과는 희미한 이미지를 만듬으로서 이미지의 혼란을 보여준다. 이러한 추상화는 과학기술의 발전을 입증하기 위한 것이기도 하다.
우리가 사용하는 매체가 더욱 강력 해지고 그에 대한 의존도가 증가함에 따라 세계 인구의 대부분이 이미지와 정보를 많이 사용하는 시대에 살고 있다. 다양한 플랫폼을 끊임없이 업데이트되고 새로운 정보를 얻는 속도는 압도적 이다. 나는 이 시리즈에서 위의 내용들을 세계에서 가장 인기있는 검색 엔진를 통해 분명히 보여지기를 희망한다.

Lauren Poor (미국)

Lauren Poor is an artist living in Philadelphia. She is inspired by fairies, folk art, lively neighborhoods and visionary environments. Her dream is to make a trash junk are treasure palace that will serve as a community playground, art hub and meeting place.

Lauren Poor는 필라델피아에 거주하는 예술가이다. 그녀는 요정, 민속 예술, 생동적인 이웃들과 환경에서 영감을 얻었다. 그녀의 꿈은 버려진것들을 이용하여 커뮤니티 놀이터 및 만남의 장소로 사용할 보물 궁전을 만드는 것이다.

Artist Statement

Title: Let’s Play Dressups

When I was a kid I loved to play dress with my friends. Being able to live out our inner worlds in the real world around us made me feel so dizzily alive. I love when a place allows me to feel like I can bring part of myself to it, then we can play together. A non oppressive, inviting place that makes people feel comported and encouraged to truly exist is what I am hooked on the idea of and would deeply love to create.

어렸을 때 나는 친구들과 옷입기를 놀이를 하는 것을 좋아했다. 현실 세계에서 내면의 세계를 따라 살아간 다는 것은 나에게 너무 혼란을 주었다. 나는 내가 살아있는 곳에서 나자신의 일부를 가져와 살아간다는 느낌을 받을때 행복했고 그러면 우리는 함께 할 수 있었다. 내가 진정으로 만들고 싶은 것은 사람들이 화목하고 서로를 격려하며 진정한 자신을 찾는 매력적인 장소이다.

MALCOLM LIGHTNER (미국)

MALCOLM LIGHTNER is a photographer who works and resides in New York. Born in 1969 in Naples, Florida, he is a fourth generation native Floridian. Malcolm has been the recipient of numerous awards and grants and his work has been featured in a range of prominent ex-hibitions including Art + Commerce Emerging Photographers and the New York Photo Fes-tival. Malcolm's photography is included in the permanent photography collections at the Southeast Museum of Photography in Daytona Beach, Florida. His work has appeared in The Oxford American, Dazed & Confused, Vice, Wired, Slate, The View, The Atlantic, Dear Dave, Aint-Bad and Life, among other publications. PowerHouse Books recently published his first monograph, Mile O’ Mud: The Culture of Swamp Buggy Racing. Malcolm is a member of the photography faculty at the School of Visual Arts in New York City since 2002.

MALCOLM LIGHTNER 는 뉴욕에서 일하고 거주하는 사진 작가이다. 1969 년 플로리다 Naples 에서 태어난 그는 4 대째 내려온 플로리다 출신이다. Malcolm은 수많은 상과 상금을 받았으며 그의 작품은 Art + Commerce Emerging Photographers 및 New York Photo Festival을 비롯한 다양한 유명 전시회에서 선보였다. Malcolm의 사진은 Florida의 Daytona Beach에있는 Southeast Photography Museum의 영구 사진 컬렉션에 소장되어 있다. 그의 작품은 Oxford American, Dazed & Confused, Vice, Wired, Slate, The View, The Atlantic, Dear Dave, Aint-Bad and Life 및 Life에 출간되었다. PowerHouse Books는 최근 그의 첫 번째 책 인 Mile O 'Mud : The Swamp Buggy Racing를 출간했다. Malcolm 은 2002년부터 뉴욕에 위치한 School of Visual Arts에서 사진 교수로 재직 중이다.

Artist Statement

I began to photograph swamp buggy racing to pay homage to my family heritage and to document a rare slice of Americana. On my first visit to the track, I drove into the parking lot of the Florida Sports Park, heard the engines of the buggies roar, and witnessed the great plumes of water trailing behind the boat-dragster hybrids. I could feel the vibrations from the raw horsepower pound against my chest, and it almost took my breath away. I thought to myself that this was going to be fun! The races occur three weekends out of the year, and I managed to make the trip at least once a year from 2002 to 2013 except 2005, when the races were cancelled due to Hurricane Wilma.
In my own mind, this project felt like time travel. I experienced firsthand the people and cul-ture that were a large part of my parents’ life that I never witnessed but that felt somehow defining. Initially, it was the buggies themselves that attracted me, but I soon began to dis-cover endless narrative possibilities and connections among the drivers, spectators and en-thusiasts. I unveiled family connections that I did not know existed and heard numerous stories about my father, who had the reputation of a hard worker in the plastering and con-struction community. He was an all-around tough guy, someone you would not want to mess with.
Ultimately, I came to understand Swamp Buggy Racing as a metaphor for life’s daily strug-gles and the innate drive to overcome obstacles against great odds while trying to maintain a sense of humor and grace. The races demonstrated to me the All-American desire to com-pete to win as well as the power of family and community.

나는 가족의 전통에 경의를 표하고 Americana의 희귀 한 전통을 기록하기 위해 swamp buggy 경주하는 사진을 찍기 시작했다. 트랙을 처음 보기 위해 방문 했을때 나는 플로리다 스포츠 공원의 주차장으로 차를 타고 들어갔다. 버기의 엔진이 울리는 소리를 들었고, boat-dragster hybrids 뒤의 큰 물줄기를 목격했다. 나는 숨을 거의 쉬지 못할 정도로의 흥분의 진동을 가슴으로 느낄 수 있었다. 나는 이것이 재미있을 거라 생각했다. 경주는 일년 중 3 주말에 이루어지며 Hurricane Wilma로 인해 경기가 취소 된 2005 년을 제외하고 적어도 2002 년에서 2013 년까지 매년 여행을했다.
내 마음 속에서 이 프로젝트는 시간 여행처럼 느껴졌다. 나는 결코 목격하지 못했지만 부모님의 삶의 일부분이었던 사람들과 문화를 직접 경험했다. 처음에 나를 끌어 당긴 것은Buggy 그 자체 였지만, 곧 운전자, 관람자 및 팬들 사이의 끝없는 서사적 가능성과 연결을 발견하기 시작했다. 나는 내가 몰랐던 가족 관계를 발견했고 건설 업계에서 오랫동안 종사했던 사람들로 부터 아버지에 관한 수많은 이야기를 들었다. 아버지는 모든 일에 완벽을 추구하는 터프가이였다.
궁극적으로, 나는 Swamp Buggy 레이싱을 삶의 매일의 투쟁에 대한 은유로 그리고 유머 감각을 유지하려고 노력하면서 커다란 장애물을 극복하기 위한 운전실력의 경기로 이해하게되었다. 경주는 가족과 공동체의 힘뿐만 아니라 승리하기 위해 경쟁 하는 모습을 보여준다.

Martin Tannenbaum (미국)

Martin Tannenbaum is a Photographer born and raised on Long Island, New York. He Currently resides In Brooklyn. He has a BFA in Photography from the School Of Visual Arts. He Recently quit smoking cigarettes and it’s not going very well.

Martin Tannenbaum은 뉴욕의 Long Island에서 태어나 자랐다. 그는 현재 브루클린에 거주하고 있다. School of Visual Arts에서 사진학과를 졸업했다. 그는 최근에 담배를 끊으려 하고있지만 잘 진행되지 않고 있다.

Artist Statement

In my eyes
these images represent
the things you vaguely remember from a night of letting go.

The haziness of memory,
the contemplation of remembrance,
the things you want to forget.

I can't help but think,
all these things that we do are simply a precursor, or maybe even a distraction from the misfortune and stress life is handing us at the moment.

It's as if we think this memory loss and laughter inducing liquid is the cure to our problems. And for those few hours, sometimes it is.

For some, it possess security allowing us to free ourselves from the self. And for some it speaks the truth we're constantly running from.

These dark places that we crowd ourselves into, are all just a facade we hide behind to distance ourselves from the things inside of us. We build them bigger and bigger with every sip and every blurred stare across the emptiness.

내 눈빛의 이미지는 당신이 막 떠나 버린 밤부터 막연하게 기억나는 것이다.

기억의 흐림, 기억의 고민, 잊고 싶은 것.

나는 생각 할수 밖에 없다. 우리가 하는 일들은 단순히 전조나 스트레스, 혹은 불행한 삶에서 우리에게 주어지는 것이다.

마치 우리가 기억력 상실과 웃음을 유도하는 액체가 우리 문제의 치료제라고 생각하는 것과 같다. 그 몇 시간 동안, 가끔 그렇다.

어떤 사람들에게는 자신 스스로를 해방시킬 수있는 안전 장치가 있다. 그리고 어떤면에서는 우리가 끊임없이 실행하는 진실을 말한다.

우리가 들어선 이 어두운 장소는 모두 우리 내부의 것들과 거리를두기 위해 뒤에 숨어있는 장면이다. 우리는 공허함을 가로 지르는 한모금과 모든 흐릿한 응시와 함께 더 크고 더 커지게 만든다.

O Zhang (중국)

Born and raised in China. O Zhang is an artist working in photography, painting and video. A graduate of Royal College of Art (London) and Central Academy of Art (Beijing), Zhang moved to New York in 2004 and is based in Brooklyn. She was the recipient of the Rockefeller Foundation Bellagio Artist Fellowship, Fuji Film Awards, Vilcek Foundation Art Project Award, and nominated/short listed for awards including Chinese Contemporary Art Awards (Beijing), Beck's Future (London) and Creative Capital Awards (New York).
O Zhang has had solo exhibitions in Beijing, Istanbul, London, Manchester, Vancouver, Philadelphia and New York, has been included in more than 100 exhibitions worldwide, including Hayward Gallery (London), Guggenheim Museum (Berlin), Miro Museum (Barcelona), The Andy Warhol Museum (Pittsburgh), Museum of Contemporary Art (Shanghai), Mori Art Museum (Tokyo), and is in the collections of Guggenheim Museum (New York), Santa Barbara Museum (CA), Mori Art Museum (Tokyo), etc. She gave artist talks at Denver Art Museum, Vancouver Art Gallery, Mori Art Museum, Museum of Contemporary Art in Shanghai, among others. Zhang gave a solo exhibition at the Queens Museum of Art in 2009 (the first Chinese female artist to give solo museum exhibition in NYC).
Zhang has been cited in many publications, including Art in America, New York Times, NY Arts Magazine, Art Review, Evening Standard, The Guardian, Frieze as well as New Art New China (book), etc. Her photos listed as “The Top Ten Best Work in Frieze Art Fair” by Evening Standard in 2008. Zhang’s autobiography: "An Empire Where The Moon Light Never Fades" was on The Best Seller List in China.

중국에서 태어나고 자란 O Zhang은 사진, 페인팅 및 비디오 작업을하는 아티스트이다. Royal College of Art (런던)와 Central Academy of Art (베이징)를 졸업 한 O Zhang은 2004 년 뉴욕으로 이사했으며 Brooklyn에 살고 있다. 그녀는 Rockefeller Foundation Bellagio Artist Fellowship, Fuji Film Awards, Vilcek Foundation Art Project Award 및 중국 현대 미술상 Chinese Contemporary Art Awards (베이징), Beck 's Future (런던) 및 Creative Capital Awards (뉴욕) 등의 상을 수상했다.
O Zhang은 베이징, 이스탄불, 런던, 맨체스터, 밴쿠버, 필라델피아, 뉴욕에서 개인전을 가졌으며 헤이워드 갤러리 (런던), 구겐하임 미술관 (베를린), 미로 박물관 (바르셀로나), The Andy Warhol Museum (피츠버그),상하이 현대 미술관, 모리 미술관, Mori Art Museum (도쿄)에서 전시를 하였으며, 구겐하임 미술관 (뉴욕), 산타 바바라 박물관 (캘리포니아), Mori Art Museum (도쿄) 에서 그녀의 컬랙션을 가지고 있다. 그녀는 Denver Art Museum, Vancouver Art Gallery 등에서 아티스트 토크를했다. Zhang은 2009 년 Queens Museum of Art 에서 개인전을 가졌다 (그녀는 뉴욕에서 솔로 미술관 전시회를 개최 한 최초의 중국 여성 예술가 이다).
Zhang은 Art in America, New York Times, NY Arts Magazine, Art Review, Evening Standard, The Guardian, Frieze, New Art New China (책) 등 많은 출판물에서 소개 되었다. 그녀의 작품은 2008 년 저프리츠 아트 페어 (“The Top Ten Best Work in Frieze Art Fair”)에서 10 위 안에 뽑혔다. Zhang의 자서전 : "달이 빛을 내리지 않는 제국”("An Empire Where The Moon Light Never Fades”)은 중국의 베스트 셀러리스트에 올라왔다. 2008년 Evening Standard 에서 프리츠 아트 페어에서 10 위를했다.

Artist Statement

Horizon statement

From a remote village in China, these young girls are among the most economically and politically repressed groups in China. However, their collective naive gaze, questioning the outside world, is very penetrating. I want to make portraits of their larger than life’s characters, and capture the power of innocence and purity. For me, the girls are like the little crouching tigers, they have the abilities to jump up and stand up for themselves in the future -- a force of hope and of rebellion from oppression.

이 어린 소녀들은 중국의 외딴 마을에서 중국에서 가장 경제적으로나 정치적으로 억눌린 집단 중 하나이다. 그러나 외부 세계에 의문을 제기하는 집단적 시선은 매우 날카롭다. 나는 실제 인물보다 더 큰 초상화를 만들고 무죄와 순결의 힘을 보여주고 싶다. 나에게 소녀들은 웅크리고있는 작은 호랑이와 같아서 앞으로 뛰어 오르고 일어날 수있는 능력, 즉 억압으로부터의 희망과 반역의 힘을 가지고 있다고 믿는다.

Daddy and I statement

By photographing adopted Chinese girls and their Western fathers in America, I try to capture the affection between a female child and an adult male. What is the nature of this complex relationship, especially when different ethnic and cultural backgrounds are introduced? How do we look at families and gender roles today? How do we look at multicultural families in a prejudicial society? Through the relationship of the emerging feminine power of the adolescent girl to the mature father, each image explores the unfathomable relation of the two inseparable, yet often divided cultures: East and West. As the girls grow up, will they remain innocent adoptees under the tutelage of their western patriarchs? Or will their path to maturity disturb the equilibrium in their present relationships?

중국 소녀들과 그들의 입양한 서양 아빠들을 미국에서 촬영함으로써 나는 여성 아이와 성인 남성 사이의 애정을 포착하려고 한다. 이 복잡한 관계의 본질은 무엇일까? 특히 민족과 문화적 배경이 서로 다름이 미치는 영향은 무엇일까? 오늘날 우리는 가족과 성 역할을 어떻게 생각할까? 편견을 가진 사회에서 다문화 가정을 어떻게 바라 볼 수 있을까? 성인 여성 능력을 가질 사춘기 소녀들과 성숙한 아버지의 관계를 통해 각 이미지는 분리 할 수없는, 그러나 종종 분리 된 문화 인 동양과 서양의 심오한 관계를 탐구한다. 소녀들이 자라면서 서구적 지도를 받은 입양인으로 남아있을 것인가? 또는 그들의 현재 관계에서 균형을 교란시킬 것인가?

The World is Yours (But Also Ours)

This series was taken in China during the two months preceding the Beijing Olympic Games in 2008. There was a heightened sense of national pride as well as a heightened level of tension rooted in the hope that the world might be impressed by China’s spectacle never before seen, dispelling its own sense of humiliation in the theater of international scrutiny.
I combine images with graphic text. Most texts are derived from contemporary advertising and signage as well as from Chairman Mao’s Little Red Book. The images depict Chinese youth in front of various facades wearing T-shirts with "Chinglish" –Chinese that has either been poorly translated into English or an emerging new form of modified English that can result in seemingly nonsensical expressions, but that also serves as a unique record of China’s current cultural convergence and transformation. This series visually captures the economic and political conflicts in modern day Chinese culture, among them, the identity crisis facing Chinese youth.

이 시리즈는 2008 년 베이징 올림픽을 앞두고 2 개월 동안 중국에서 촬영했다. 전례가없는 중국의 광경에 세계가 감동을 줄 수 있기를 희망하면서 국가적 자부심이 커지고 긴장이 고조되었다.
나는 이 시리즈에서 이미지와 그래픽 텍스트와 결합시켰다. 대부분의 텍스트는 현대 광고 및 간판뿐만 아니라 마오의 작은 빨간 책에서 파생되었다. 이 이미지는 티셔츠를 입은 다양한 정면 앞에 중국 청소년을 묘사 한 것으로, "청킹 리쉬"- 영어로 잘못 번역된 중국어 혹은 새롭게 태어난 새로운 형태의 수정 된 영어로 외관상으로는 무의미한 표현이지만 중국의 현재 문화적 융합과 변화에 대한 독특한 기록이다. 이 시리즈는 현대 중국 문화의 경제적, 정치적 갈등을 시각적으로 포착한다.

Penelope Umbrico (미국)

Penelope Umbrico’s photo-based installations, video, and digital media works utilize photo-sharing and consumer websites as an expansive archive to explore the production and con-sumption of images on the web. Born in Philadelphia, PA in 1957, she received her BFA equivalent from Ontario College of Art in Toronto and her MFA from The School of Visual Arts in New York City. Her work has been exhibited both in the US and internationally, including exhibitions at The Museum of Modern Art, NY; MassMoCA, MA; San Francisco Museum of Modern Art, CA; Milwaukee Art Museum, WI; Mois de la Photo, Montreal; The Photographers’ Gallery, London; Daegu Photography Biennale, Korea; Rencontres d’Arles, France; International Center of Photography, NY. Her work is included in many museums collections including Guggenheim Museum, NY; Los Angeles County Museum of Art, CA; Metropolitan Museum of Art, NY; Milwaukee Art Museum, MI; San Francisco Museum of Modern Art, CA amongst others. She is the recipients of a Smithsonian Artist Research Fellowship; a Guggenheim Fellowship and a Aaron Siskind Individual Photographer’s Fellowship, amongst many others. Her monographs include "Penelope Umbrico (photographs)", Aperture (Spring 2011); Range, Aperture (Fall 2014); Out of Order: Used Office Desks and Used Office Plants, RVB Books Paris (Fall 2014), and Out of Order: Bad Display, RVB Books Paris and Photoforum Pasquart, Biel, CH (2016). Umbrico is represented by Bruce Silverstein Gallery, NYC.

Penelope Umbrico의 사진 기반 설치, 비디오 및 디지털 미디어 작품은 사진 공유 및 소비자 웹 사이트를 확장 아카이브로 활용하여 웹상에서 이미지의 제작 및 소비를 탐색한다. 1957 년 필라델피아에서 태어난 그녀는 토론토의 온타리오 미술 학교 (Ontario College of Art)에서 BFA를 받았으며 뉴욕시의 School of Visual Arts 에서 MFA를 받았다. 그녀의 작품은 뉴욕 현대 미술관 (Museum of Modern Art)에서의 전시회를 비롯하여 미국 및 해외에서 전시되었다. MassMoCA, MA; 샌프란시스코 현대 미술관 (San Francisco Muse-um of Modern Art), Milwaukee Art Museum, WI; Mois de la Photo, Montreal; The Photog-raphers’ Gallery, London; 대구 사진 비엔날레, 한국 (Daegu Photography Biennale, Korea); Rencontres d’Arles, France; International Center of Photography, NY. 그녀의 작품은 뉴욕의 구겐하임 미술관 (Guggenheim Museum)을 포함, 로스 앤젤레스 카운티 미술관, 캘리포니아; 메트로 폴리탄 미술관, 뉴욕; 밀워키 미술관, MI; 샌프란시스코 현대 미술관 등 많은 박물관 컬렉션에 포함되어 있다. 그녀는 Smithsonian Artist Research Fellowship의 수혜자 이다. 또한 구겐하임 펠로우쉽, 아론시 스킨 트 개인 사진가 펠로우쉽 등이 있다. 그녀의 단행본은 "Penelope Umbrico (photographs)", Aperture (Spring 2011); Range, Aperture (Fall 2014); Out of Order: Used Office Desks and Used Office Plants, RVB Books Paris (Fall 2014), and Out of Order: Bad Display, RVB Books Paris and Photoforum Pasquart, Biel, CH (2016). Umbrico는 뉴욕에 위치한 Bruce Silverstein Gallery의 대표 작가이다.

Artist Statement

Sunset Portraits from 32,733,776 Sunset Pictures on Flickr on 03/07/17

Umbrico began her project Sunset Portraits from Sunset Pictures on Flickr in 2006 when she searched the image hosting website Flickr and found 541,795 pictures tagged "sunset". These are the sunset photographs from Flickr where the technology of the point and shoot camera reads, and exposes for, the sun not the subject. In this work Umbrico suggests a relationship between the individual assertion of “being here” in the photograph, the lack of individuality ultimately experienced when faced with so many assertions that are or less the same, and the power of the collective ritual we all participate in.
For each installation, the title reflects the number of images tagged "sunset" on Flickr on the day she commits to the installation - the title itself becoming a comment on the ever-increasing use of web-based photo communities and a reflection of the ubiquity of collec-tive content there.
Umbrico says, "I think it's peculiar that the sun, the quintessential life giver, constant in our lives, symbol of enlightenment, spirituality, eternity, all things unreachable and ephemeral, omnipotent provider of optimism and vitamin D, and so universally photographed, finds expression on the internet, the most virtual of spaces equally infinite but within a closed electrical circuit. Looking into this cool electronic space one finds a virtual window onto the natural world.”

2006 년 Umbrico 는 이미지를 호스팅하는 웹 사이트 Flickr을 이용하여 "일몰"이라는 태그가 붙은 541,795 개의 사진을 발견했고 “Sunset Portraits from Sunset Pictures on Flickr” 라는 프로젝트를 시작했다. 이것들은 Flickr에 올라온 석양 사진으로 똑딱이 카메라가 피사체가 아닌 태양을 중점적으로 보여주고 있다. 이 작품에서 Umbrico는 “여기에 있었다"라는 개인들의 관계, 거의 같거나 그 이상의 많은 주장에 직면했을 때 궁극적으로 경험했던 개성의 결여, 그리고 집단 의식의 힘 사이의 관계를 제시한다.
각 설치에 대해, 제목은 그녀가 설치를 부탁 받은 날에 Flickr에서 "일몰"이라고 표시된 이미지들 이다. 제목 자체는 웹 기반 사진 커뮤니티의 계속 증가하는 사용에 대한 작가의 의견과 공통적인 의견의 부재를 반영한다.
Umbrico 는 “나는 태양, 삶의 정수, 깨달음, 영성, 영원, 낙천주의와 비타민 D의 공급자, 그리고 전세계적으로 사진을 찍는 대상인 태양이 변함없는 것에 대하여 흥미롭다고 생각한다. 인터넷 상에 표현 된 공간은 거의 동일하고 무한하지만 폐쇄 된 전기 회로 내에있다.이 멋진 전자 공간은 자연 세계의 가상의 창인 것을 발견 할 수있다 "고 말했다.

Pirouette for CRT

For Pirouette for CRT, Umbrico culled images of TVs for sale she found on peer-to-peer market platforms like Craigslist. At once endearing and sad: the bulky CRT TVs that are pictured seem like anthropomorphic characters that have been rejected by their owners and yet they physically persist and insist on being dealt with. They are the manifest dinosaurs of technology, physical bodies as symbols of their own obsolescence. Using these found images, Umbrico made Pirouette for CRT as a choreographed tribute to the mortality of the CRT. To be viewed on a flat-screen, the volume of the CRT is in direct contrast to the thinness of the screen it is presented on, making the flat-screen seem pregnant (or possessed) with a whirling specter of its ancestor.

“Pirouette for CRT” 의 경우, Umbrico는 Craigslist와 같은 인터넷 (peer-to-peer) 시장에서 판매 한 TV의 이미지를 수집했다. 한때 사랑스럽고 슬픈 : 부피가 큰 CRT TV는 그 주인에 의해 거절당한 의인화 된 인물처럼 보이지만 그들은 육체적으로 지속되고 다루어 져야한다고 주장한다. 그것들은 기술의 발전의 의해 사라져간 공룡이며, 상대적으로 커다란 육체는 과거 기술의 상징이다. Umbrico는 발견 된 이미지를 사용하여 CRT의 사망률에 대한 안무로 조율 된 CRT 용 Pirouette를 만들었다. CRT의 볼륨은 평면스트린에 비해 화면의 두께가 직접 대조를 이루기 때문에 마치 CRT가 평면 스크린을 임신하고 있는 조상으로도 볼 수 있다.

Wolfgang Staehle 독일(미국)

Wolfgang Staehle was born in Stuttgart, Germany in 1950. He attended the Freie Kunstschule in Stuttgart, and in 1976 he moved to New York to attend the School of Visual Arts, New York (BFA) where he studied with Joseph Kosuth, Robert Mangold , Jackie Winsor , Richard Van Buren, Storm De Hirsch, Todd Watts, Anina Nosei, and Jeanne Siegel.

After a successful career in various New York in European galleries in the 1980s, Staehle decided to work collectively, and in 1991 he founded The Thing, an innovative online forum for artists and cultural workers. The Thing began as a Bulletin Board System (BBS), a form of online community dialogue used before the advent of the World Wide Web. By the late 90s, The Thing grew into a diverse online community made up of dozens of members' Web sites, mailing lists, a Web hosting service, a community studio in Chelsea, and the first Web site devoted to Net Art, bbs.thing.net.

Wolfgang Staehle is represented by Postmasters Gallery, New York

Wolfgang Staehle은 1950 년 독일 슈투트가르트에서 태어났다. 슈투트가르트의 Freie Kunstschule에서 공부를 하였고 1976년 뉴욕으로 건너가 School of Visual Arts (BFA)에 입학하였다. 그곳에서 함께 공부한 친구들은 Joseph Kosuth, Robert Mangold, Jackie Winsor, Richard Van Buren, Storm De Hirsch, Todd Watts, Anina Nosei 및 Jeanne Siegel이 있다.

1980년대 유럽 갤러리들과 뉴욕에서의 다양하고 성공적인 경력을 쌓은 Staehle은 1991년 예술가 및 문화 활동가들과 공동으로 일하기 위해 혁신적인 온라인 포럼 인 The Thing을 설립했다. 그 일은 월드 와이드 웹 (World Wide Web)이 출현하기 전에 사용 된 온라인 커뮤니티 대화 형식 인 Bulletin Board System (BBS)으로 시작되었다. 90년대 후반에 The Thing은 수십 개의 회원 웹 사이트, 메일링 리스트, 웹 호스팅 서비스, Chelsea의 커뮤니티 스튜디오 및 넷 아트에 대한 첫 번째 웹 사이트 인 bbs.thing으로 구성된 다양한 온라인 커뮤니티로 성장했다 .

Wolfgang Staehle은 뉴욕 포스트 마스터 갤러리 (Postmasters Gallery)의 대표 작가이다.

Artist Statement

In 1996, Staehle began to produce an ongoing series of live online video streams. The first of these works was Empire 24/7, a continuous recording of the top one-third of the Empire State Building that is broadcast live over the Internet. Staehle has followed Empire 24/7 with online streams of other buildings, landscapes and cityscapes such as Berlin's Fernsehturm, the Comburg Monastery in Germany, lower Manhattan before and after 9/11, and a Yanomami village in the Brazilian Amazon. He continues to expand this series while serving as the Executive Director of The Thing.

1996년 Staehle은 실시간 온라인 비디오 스트림 시리즈를 제작하기 시작했다. 이 시리즈의 첫 번째 작품은 Empire 24/7이었으며, 인터넷을 통해 생방송으로 방송되는 Empire State Building의 3 분의 1 이상을 연속적으로 녹화했다. Staehle은 Empire를 24 시간 연중 무휴로 따라 가면서 독일 베를린의 Fernsehturm, Comburg Monastery, 9/11 전후의 Manhattan 및 브라질 아마존의 Yanomami 마을과 같은 다른 건물, 풍경 및 도시 풍경의 온라인 스트림을 제공한다. 그는 이 시리즈의 확장을 계속하면서 The Thing의 대표로 재직했다.